Histórias Indígenas: Vibrante cor, dinamismo cultural e raiva

As caveiras de renas que simbolizam os traumas passados e os progressos tênues 🌟 das comunidades Sámi da Escandinávia. As pulverizações de penas de arara que celebram as tradições vívidas do povo Tapirapé do 🌟 Brasil. Estas são algumas das atrações da fascinante nova exposição "Histórias Indígenas", recentemente inaugurada no Museu de Arte Kode Bergen, 🌟 na Noruega.

Os curadores representantes de sete regiões indígenas na América do Sul, América do Norte, Oceania e Escandinávia escolheram exibir 🌟 cerca de 280 obras que destacam como culturas de diferentes partes do mundo consideram igualmente importantes os ossos de rebanhos 🌟 queridos e as plumagens extravagantes quanto às pinturas e impressos. A exposição reúne uma ampla gama de peças - históricas 🌟 e contemporâneas, de mais de 170 artistas - incluindo pinturas a óleo e água,

grafias, cerâmicas, esculturas, tecidos e instalações 🌟 conceituais. Coletivamente, elas ilustram uma antologia de "histórias negligenciadas", diz Petter Snare, diretor do Kode.

Nas galerias, cada país ou território 🌟 tem seu próprio espaço, com salas dedicadas ao Brasil, Peru, México, Canadá, Austrália, Nova Zelândia e Sápmi, a terra tradicional 🌟 nacionaispanadora dos Sámi. A abordagem realça diferenças regionais - como cada comunidade indígena se conecta ao seu clima e paisagem, 🌟 costumes e roupas específicos - mas também experiências compartilhadas, especialmente o tratamento nas mãos de poderes coloniais.

"Histórias Indígenas" corresponde a 🌟 um novo pensamento sobre o que é e o que não é arte fina. Nos últimos anos, o interesse público 🌟 crescente aspectos inexplorados da história da arte e programas curatoriais menos rígidos colocaram o cânone artístico - com sua 🌟 bússola eurocêntrica, sua predileção por figuras brancas e masculinas e suas fundações coloniais - sob o microscópio. Museus estão investigando 🌟 outras maneiras de ver e mostrar.

No Kode, existem urnas funerárias pré-colombianas ao lado de máscaras de fitas de cetim produzidas 🌟 no Brasil moderno; existem

grafias documentais do século 19 da Lapónia, xilogravuras românticas de amantes Sámi dos anos 1920 e 🌟 esculturas formadas de chifres e juníperos.

grafias de trabalhadores peruanos, tiradas no início do século 20, mostram como os trabalhadores 🌟 indígenas eram conhecidos por números vez de nomes; enquanto, na seção da Nova Zelândia, motivos orgânicos Māori superam os 🌟 designs Art Deco da Europa.

Para artistas contemporâneos trabalhando comunidades indígenas, há às vezes uma tensão entre manter métodos tradicionais 🌟 e buscar novos abordagens, diz Katarina Spik Skum, artista Sámi do parte sueco de Sápmi, que está exibindo uma peça 🌟 de tenda feita de toras de bétula, couro, lã, pele e tecido digitalmente impresso.

E para museus, há desafios únicos na 🌟 exibição de obras. "Você está preocupado usar materiais com os quais as pessoas que a fizeram estariam felizes que 🌟 você estivesse usando," explica Philippa Moxon, conservadora de tecidos trabalhando no show. "Uma de minhas colegas teve que avaliar as 🌟 duas estômagos de rena. Elas são fascinantes. Ela foi apresentada com algo que nunca havia visto antes."

Vibrante cor, dinamismo 🌟 cultural e raiva

Talvez as obras mais reconhecíveis no Kode sejam as famosas "pinturas pontilhadas" de artistas aborígenes, como Mick Namarari 🌟 Tjapaltjarri, criadas no Território do Norte da Austrália na década de 1970. Estas não são pinturas de paisagens, mas sim 🌟 pinturas de canções de paisagens. Menos conhecidas, mas outro destaque da exposição, são as vasilhas anamórficas com alças forma 🌟 de estribo criadas há cerca de 2000 anos pela civilização Moche do Peru.

Além da cor vibrante e do dinamismo cultural, 🌟 há raiva justa e indignação política à mostra, à medida que artistas abordam o legado da opressão colonial. Uma seção 🌟 intitulada "Activisms" explora o que os curadores descrevem como "uma história de luta entrelacada".

A exposição é um patchwork de criatividade 🌟 e trauma, e é apenas um exemplo de um impulso andamento para redefinir a arte indígena. Em 2024, a 🌟 Tate estabeleceu um novo cargo curatorial dedicado ao campo. E no Bienal de Veneza de 2024, o Pavilhão Nórdico foi 🌟 transformado no Pavilhão Sámi, um palco de alto perfil para obras politicamente c ```less argadas. ```

A emergência climática mudou as opiniões ortodoxas sobre 🌟 as comunidades indígenas, diz Katya García-Antón, que curou a exposição de Veneza e agora é diretora do Nordnorsk Kunstmuseum 🌟 Tromsø. "As perspectivas das pessoas indígenas sobre a terra, a fauna, a flora e as águas são distinctamente diferentes das 🌟 perspectivas modernistas - lidas como ocidentais - responsáveis por esta crise", ela diz. Simultaneamente, ela adiciona, os movimentos de justiça 🌟 social mobilizaram a consciência das pessoas sobre a natureza hierárquica e discriminatória da nossa sociedade atual.

As obras de arte de 🌟 renas de Marét Anné Sara, artista Sámi, exibidas tanto Bergen quanto Veneza, foram anteriormente arregaçadas no Parlamento Norueguês 🌟 Oslo protesto contra os ditames governamentais sobre abates de renas. Exibir arte indígena no cenário de um museu 🌟 financiado pelo Estado, que impactou direitos, convenções e acesso à terra e ao qual grande parte da arte responde, desperta 🌟 perguntas incômodas sobre hipocrisia.

García-Antón discutiu esta questão com anciãos, artistas e intelectuais Sámi antes da abertura do Pavilhão Sámi 🌟 Veneza. "Todos concordamos que havia mais a ganhar do que a perder", diz García-Antón, adicionando que a contribuição do evento 🌟 "para a consciência global das perspectivas indígenas no campo das artes provou que a aposta valia a pena."

Em Bergen, essa 🌟 conscientização campanha mergulha o público um poço profundo de conhecimento esotérico, crenças espirituais, considerações ecológicas e artesanato fino, todos 🌟 adquiridos ao longo de séculos vivendo harmonia com a natureza e culturas sustentáveis vez de exploratórias. Também 🌟 mostra que essa história - embora escrita nas paredes na Noruega - está andamento todo o mundo.